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Kazuo Shiraga, one of the founders of the Gutai group, painting with his feet.

The Influence of Zen on Artistic Creativity 

in the '50s

by Michel Batlle

Translated from the French by Chantal Duggan

(scroll down for the original French text)


To build a bridge between the Oriental and the Occidental worlds has been an ancient dream of many curious and dynamic minds, in order to conquer (from Christopher Columbus to Pearl Harbor), to do business, or to exchange spiritual ideas.

The 18th century was so enraptured by oriental ceramics that they were reproduced in its manufacturing plants (the famous “chinoiseries”), and in the not so distant past, did not the impressionists embrace Japan?  Just as African art had influenced Cubism, the oriental philosophies, particularly Zen Buddhism, in turn influenced North-American artists after the Second World War.  Curious about difference, new worlds, and other perspectives, many artists drew back the curtains on Japan and China.  Some traveled there, others read Lao-Tseu or Suzuki.  This encounter with new philosophical concepts and a new vision of the world would fundamentally change the space of the painted canvas, which up to that time had perpetuated the rules and the mysteries of the Renaissance.

Nurtured by the density of the styles of Cézanne, Monet or Matisse, American painting was discovering another dimension: the void. This void not only enabled American art to forget its European heritage but also could eventually counterbalance the excesses of a consumerist civilization.


Mark Tobey, Wounded Life, 1957. Source:

Mark Tobey, “Universal Signs”

A forerunner in this field, Mark Tobey, born in 1889, is fascinated by calligraphy, which he studied in 1920 under a Chinese master and he made his first trip to China and Japan in 1934 where he sojourned in a Zen monastery. The power of signs fills his entire work, becoming a sort of sensitive musical score: “What was once a tree became rhythm. . . .”  Tobey synthesized the stones of Zen gardens with the grid of Mondrian’s compositions.  But he always desired that all of the richness of the universe be contained in the smallest parcel of reality. There is only one step from the proliferation and interlacing of his signs to the famous drippings of Jackson Pollock, an evolution of what we could call the “American dimension,” in other words a new fullness in which the work of art is scaled to the human body, the latter being its specific tool. It is in that instant that American painting takes note of the physical reality of the place in which it is created: the vast spaces of its territories and the monstrosity of its cities, enabling this style of painting to surpass the previously dominant School of Paris.  

Jackson Pollock, “Look at the action”

Thus was born, with Pollock, what the critique Harold Rosenberg coined “action painting”, a pictorial technique in which the artist’s gesture and the very act of painting find their direct reflection in the completed work of art.  This technique allows the artist to fully identify with his work. The creative power of the gesture was only the beginning of a and long evolution that would stretch from Tachisme [a European school of painting similar to and contemporary with Abstract Expressionism] to body art. In Zen, one cultivates intuition as that which produces knowledge suddenly and spontaneously, independent of any natural demonstration.  It is the unexpected voice that is heard when it is needed; it is the guide.  “When I am in my painting, I am not aware of what I’m doing.  It’s only after a sort of ‘get acquainted’ period that I see what I have been about.  I have no fears about making changes, destroying the image, etc., because the painting has a life of its own.”  (Pollock, quoted in Possibilities I, Winter 1947-48)

Barnett Newman, “One line to control chaos”

We can therefore say that the paintings of Franz Kline are “painted actions” similar to the works of the Tachisme painters. For Mark Rothko, the absence of a theme becomes the theme of his painting, a sort of presence-absence, obsessed with a reality that cannot be grasped.  Unlike other abstract expressionist painters, Barnett Newman does not disperse his shapes. Without any concession, he emphasizes the vertical line, “a lone line is sufficient to dominate chaos.”  He shows himself “simple, naked, colorless” as Lao-Tseu described the unique and universal self, emptying space instead of filling it.

For these artists, Zen philosophy opened new perspectives on the world and on the human body and soul, becoming source and fruition at once. This was not a constricted and rigid way of thinking but the transmission of concepts forged by thousands of years of experience yet always fresh and awakening.  “Here and now.”  This key notion emphasizes the present.  So it is important to be completely present in each gesture. To concentrate here and now, is the lesson of Zen philosophy. The subject being in the object and the subject containing the object. 


Ad Reinhardt, Abstract Painting, 1960.

Ad Reinhardt, “Art as art”

If Tobey showed the way toward Zen, Ad Reinhardt was to become its most prominent symbol as he became the “relay” towards what came to be known as Minimalist Art, which he called “art as art.”  Engaged in the practice of Zen philosophy, his painting is above all the site of a mystical experience, of a very objective pictorial experience.  He imposes rules on himself and follows them; he is both the master and the apprentice: “The only work for a fine artist, the one painting, is the painting of the one-size canvas—the single scheme, one formal device, one color-monochrome, one linear-division in each direction, one symmetry, one texture, one free-hand brushng . . . .”  He reached the apotheosis of his art with his series of “Black-paintings” which he painted continuously during the last fifteen years of his life in order to push his art to the limits of indivisibility and absoluteness.

Tàpies, “Suggest the space to awaken the spectator”

American artists were not the only ones to turn their gaze towards the Far East; in Europe, artists such as Wols, Mathieu, Degottex, Yves Klein, Soulages and Tàpies had the same interest.

Concentrated forces in Soulages’ expression, where simplicity is essential; the lyricism of material and sign for Tàpies: “When I started to work, Zen philosophy which helped me the most in appreciating contemporary poetry and arts…  In Zen, there is a meditative component, but also the jolt that rattles your thought and renders something indigestible rather than digestible.  There are times when I am really contemplative and when I dissolve into the void.  But there are also moments when I try, in other ways, to suggest emptiness and to thus awaken the spectator by shaking him.”

If Zen was an influence on the Occidental world, what was happening in Japan?

For the Japanese, it was necessary to turn to Europe or America to nourish their art with new concepts. As early as 1923, a neo-dadaist group named Mavo was noted for its public actions.  The group’s manifesto stated:  “We incessantly confirm and deny.  We live in every sense of the word in an absolute fashion.”  Thus, the Japanese introduced their sense of gesture into the arts, concentration and intuition in gestures sometimes resembling martial arts, integrating rituals from their traditional culture with precepts from Buddhism.

Gutai, “Giving life to matter” 

At the beginning of the 1950’s, the Gutai group was born. Directed more towards nature, the group attempted to rediscover the unlimited space of artistic expression to open it to life itself.  Gutai art does not transform matter, it gives life to matter. . . .  Enlivening matter is a mean of giving life to the spirit.  Raising the spirit is to allow matter to enter the superior spiritual world.  Kazuo Shiraga insists that he is touched by Tantric Buddhism, somewhat different from Zen. “By liberating the potential energy of man, Tantric Buddhism permits him to develop his gifts.  As for myself, I do not have the ability to solve these mysteries. However, by painting with my feet, I believe that I reached a state where I was very close.”

Organized around Yoshihara Jiro, the principal members of this group were: Shiraga Kazuo, Tanaka Atsuko, Murakami Saburo, Motonaga Sadamasa, Shimamoto Shozo, Kanamaya Akira, Yamasaki Tsuruko, Yoshiwara Michio. . . .

It would be tiresome to name all the artists which claim they have been influenced by Zen. It is usually difficult to detect this influence since it is, above all, a practice and a school of humility.  This text would like to point out that most historians fail to acknowledge the influence of Zen on many artists. This influence remains strong today since it is an opening and a basis for understanding the world, and therefore humanity.

This text was first published in French in 1994 in No. 67 of the magazine “Zen” (Founder Master Taisen Deshimaru)  


Michel Batlle is an artist of Catalan origin based outside of Toulouse, France. He is the founder of several journals, including Articide Circuit, established in 1993.

La créativité  artistique issue de l'influence du Zen

Michel Batlle

Lancer un pont entre l'Orient et l'Occident, un vieux rêve présent dans beaucoup d'esprits curieux ou dynamiques pour des conquêtes (de Christophe Colomb à Pearl Harbour), du commerce ou des échanges plus spirituels.

Le XVIlIe siècle s'extasiait sur des céramiques orientales jusqu'à les reproduire dans ses manufactures (les fameux décors " au chinois " ) et plus près de nous les impressionnistes ne japonisaient-ils pas ? 
Tout comme l'Art Nègre avait influencé les artistes cubistes, les philosophies orientales et tout particulièrement le bouddhisme zen marquèrent à leur tour la peinture nord-américaine de l’après-guerre. 
Curieux de différences, de mondes nouveaux, de perceptions autres, ils furent des dizaines à écarter les paravents nippons et chinois. Certains firent le voyage, les autres lurent 
Lao-Tseu ou Suzuki
Cette rencontre avec de nouveaux concepts philosophiques et une vision nouvelle du monde allait modifier fondamentalement l'espace du tableau peint qui perpétuait les règles et les arcanes de la Renaissance. 
Nourrie de la densité de 
CézanneMonet ou Matisse, la peinture américaine découvrait une nouvelle dimension : le vide. Un vide pour oublier les paternités européennes mais aussi un vide prémonitoire qui contrebalancerait un trop-plein, celui de la civilisation de consommation.

Marc Tobey , « Les signes universels »

Précurseur en ce domaine, Marc Tobey, né en 1889, est fasciné par la calligraphie qu'il étudiera en 1920 auprès d'un maître chinois, et c'est en 1934 qu'il effectuera son premier voyage en Chine et au Japon où il séjournera dans un monastère zen. Le pouvoir des signes emplit toute son œuvre, devenant une sorte de partition sensible : " Ce qui jadis était un arbre devint rythme. . . " Tobey accédant à la synthèse entre le Jardin de pierres des monastères zen et la grille des compositions de Mondrian. Mais sa volonté sera toujours que, dans la plus petite parcelle du réel, soient contenues toutes les richesses de l'univers. De la prolifération et des entrelacs de ses signes aux fameux drippings de Jackson Pollock, il n' y a qu'un pas ; le passage, à ce que nous pourrions appeler la "dimension américaine ", c'est à dire une ampleur nouvelle qui met l'œuvre à la dimension du corps, ce dernier étant son propre outil ; et c'est à ce moment là que la peinture américaine prend conscience de la réalité physique du lieu où elle est fabriquée: les grands espaces de son territoire et la monstruosité de ses villes. En cela cette peinture prend de vitesse et de force l'Ecole de Paris.

Pollock, « Regarder l’action »

Ainsi naissait, avec Pollock, ce que le critique Harold Rosenberg nomma « l'action painting », technique picturale dans laquelle le geste de l'artiste et le fait même de peindre trouvent leur reflet direct dans l'œuvre une fois achevée; cette technique permettant une totale identification de l'artiste avec son œuvre. Mais le pouvoir créateur du geste ne faisait qu'entamer une future et longue carrière, dutachisme jusqu'au body-art. On cultive dans le Zen l'intuition comme ce qui donne une connaissance soudaine, spontanée, indépendante de toute démonstration naturelle, elle est la voie inattendue qui se fait entendre juste au moment nécessaire, elle guide. « When I am in my painting, I'm not aware of what I'm doing. It's only after a sort of "get acquainted" period that I see what I have been about. I have no fears about making changes, destroying the image, etc., because the painting has a life of its own ».

Quoted in Possibilities I, Winter 1947-48 

Barnett Newman, " Une seule ligne pour maîtriser le chaos "

On peut ainsi dire que les peintures de Franz Kline sont des " actes peints " tout comme celles de la plupart des peintres tachistes. Pour Mark Rothko l’absence de thème devient le thème même de sa peinture, une sorte de présence-absence avec pour obsession le côté insaisissable de la réalité. Contrairement aux autres artistes expressionnistes abstraits, Barnett Newman ne disperse pas ses formes. Il plante sans concession la ligne verticale, " une seule ligne, dit-il, suffit à maîtriser le chaos " Il se montre " simple, nu, sans couleur " ainsi que le qualifiait Lao-Tseu du moi unique et universel ; vidant l'espace au lieu de le remplir. 
Pour tous ces artistes, la philosophie zen ouvrait de nouvelles perspectives sur la vision du monde et sur l'homme dans sa chair et dans son âme, devenant sa propre source et le fruit de son acte; n'ayant rien d'un système de pensée contraignante et rigide, mais la transmission de concepts forgés par une expérience millénaire et toujours neuve à la fois, celle de l'éveil. " Ici et maintenant ". Cette notion clef met l'importance sur le présent. Ainsi convient-il d'être complètement présent dans chaque geste. Se concentrer ici et maintenant, telle est la leçon zen. Le sujet étant dans l'objet et le sujet contenant l'objet.

Ad Reinhardt, " L'art en tant qu'art "

Si Tobey avait ouvert la voie vers le Zen, Ad Reinhardt allait à sa suite en être son symbole le plus fort dans le sens où il devenait le " passeur " vers un art qui allait s'appeler le l’Art Minimal et qu'il nommait " art en tant qu'art ". Engagée dans la philosophie zen, sa peinture est avant tout le lieu d'une expérience mystique, d'une expérience picturale très objective. Il se donne des règles et les suit, il est le maître et l'élève : " La seule œuvre à réaliser pour un artiste peintre, la seule peinture est la peinture usant de la toile de format identique, le schéma unique, un seul moyen formel, une seule couleur monochrome, une seule division linéaire dans chaque direction, une seule symétrie, une seule texture, un seul passage de la brosse à main levée. " Il ira jusqu'au bout de sa peinture avec sa série des « Blacks-paintings » qu'il ne cessera de peindre durant les quinze dernières années de sa vie, afin de la pousser jusqu'à l'indivisible et l'absolu.

Tàpies, " Suggérer le vide et réveiller le spectateur "

Les artistes américains n'étaient pas les seuls à porter leurs regards vers l'Extrême-Orient ; en Europe, des peintres tels que WolsMathieuDegottexYves KleinSoulages ou Tàpies participaient à ce même intérêt. 
Forces concentrées dans l'expression de Soulages ou la simplicité tend à l'essentiel, lyrisme de la matière et de signe pour Tàpies: 
" Quand j'ai commencé à travailler, c'est le Zen qui m'a le plus aidé à m'orienter dans la poésie et l’art contemporains… Dans le Zen il y a un côté méditatif, mais aussi le choc qui secoue la pensée, qui rend une chose indigeste plutôt que digeste. Il y a des moments où je suis réellement contemplatif et où je me dissous dans le vide. Mais aussi il y a ces moments où j'essaie, autrement, de suggérer le vide et de réveiller ainsi le spectateur en le secouant ". 
Mais si le Zen influençait les Occidentaux, qu'en était-il des Japonais ? 
Pour eux, il était nécessaire de se tourner vers l'Europe ou l'Amérique afin de nourrir leur art de nouvelles informations. Dès 1923, un groupe néo-dadaïste nommé 
Mavo se fit connaître par ses actions en public; dans son manifeste, il disait: " Nous affirmons et nions sans cesse. Nous vivons dans tous les sens du mot de façon absolue ". Ainsi, les Japonais allaient introduire dans l'art leur sens du geste, de la concentration et de l'intuition en des actions parfois proches des arts martiaux, intégrant des rituels de leur culture traditionnelle et des préceptes du bouddhisme.

Gutai, " faire vivre la matière "

Dans le début des années cinquante, naît le groupe Gutai plus tourné vers la nature, il tente de retrouver l'espace illimité de l'expression artistique pour l'ouvrir à la vie. " L'art Gutai ne transforme pas la matière, il donne vie à la matière. . . Faire vivre la matière est un moyen de faire vivre l'esprit. Elever l'esprit c'est faire entrer la matière dans le champ spirituel supérieur. Kazuo Shiraga affirme être marqué par le bouddhisme tantrique, quelque peu différent du zen « Le bouddhisme Tantrique en libérant l'énergie potentielle de l'homme, exerce sur lui une action, et développe ses dons. Je n'ai pas pour ma part la capacité d'atteindre à ses arcanes. Cependant, à travers la méthode de peinture avec les pieds, je crois être parvenu à un état qui en est très proche ".                            

Constitué autour de Yoshihara Jiro, ses principaux membres furent :Shiraga Kazuo, Tanaka Atsuko, Murakami Saburo, Motonaga Sadamasa, Shimamoto Shozo, Kanamaya Akira, Yamasaki Tsuruko, Yoshiwara Michio... 
Il serait fastidieux de citer tous les artistes qui se réclament du Zen ; en général il est difficile de le déceler car il est avant tout une pratique et une école d'humilité. Ce texte voudrait dire que la plupart des historiens passent sous silence l'influence du Zen chez beaucoup d'artistes, influence toujours forte aujourd'hui car il est une ouverture et une base pour la compréhension du monde, donc de l’homme. 

Michel Batlle

Ce texte est paru pour la première fois en 1994 dans le N° 67 de la revue " Zen " (Fondateur Maître Taisen Deshimaru)


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